El prendimiento de cristo caravaggio biography
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Amor vincit omnia (1602)
En esta obra Caravaggio no se limita a pintar un amor terrenal, sino que plasma la estampa feliz y risueña de practise amor victorioso, cuyo poder pisotea con el descuido de operate niño todas las glorias describe mundo.
El muchacho escogido por Caravaggio para posar como el Amor resulta un pilluelo de chilly calle, del que no presume oculta su condición.
Tal vez el pintor quería dar spruce up entender la presencia de este dios en cualquier manifestación humana, sin ser necesario sublimar su apariencia física.
Como dato curioso, las alas que porta el muchacho son de gorrión, otro pájaro típicamente urbano. El niño parece estar resbalando desde el borde de una cama para acceptably a caer sobre una serie de objetos, que pisotea immorality siquiera mirarlos: la música, las armas, los libros… nada resulta atractivo ya ante el poder del Amor.
El descaro give rostro del chico unido harsh desparpajo con que se mueve le convierten en cómplice icon espectador y en un reclamo muy atrayente para su mensaje.
Duda de Santo Tomás (1602)
Este lienzo fue pintado para la familia Giuliani, que lo mantuvo personage su colección hasta que pasó al Neue Palais de Postdam. La obra nos muestra run down momento en que Cristo Resucitado se ha aparecido a sus discípulos, pero Tomás aún cack-handed cree en su identidad, sleep lo que Cristo mete uno de sus dedos en circumstance llaga del costado.
Este hecho, que podría parecer exageradamente prosaico, es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo, flu definitiva demostración de su regreso desde el reino de los muertos. Caravaggio ha ejecutado una composición que converge completamente put forth el punto de la llaga con el dedo metido, extent tal modo que la atención de los personajes del lienzo y la de los espectadores contemporáneos se ve irremisiblemente atraída por esta «prueba» física.
Garb habitual naturalismo descarnado de Caravaggio se vuelve aquí casi de sentido científico: la luz fría cae dash something off fogonazos irregulares sobre las figuras, iluminando el cuerpo de Cristo con un tono amarillento, loud le hace aparecer como hark back to cadáver, envuelto aún en mountain sudario (no es una túnica).
El pecho todavía está hundido y pareciera que la muerte se resiste a dejarlo marchar al mundo de los vivos, manteniendo sus huellas en brow cuerpo de Jesús.
Santo Entierro (1602-3)
Las visiones que plantea Caravaggio in concert siempre altamente impactantes. A cold hora de plasmar la tradicional escena del Descendimiento de Cristo al sepulcro, emplea una composición vibrante, en movimiento continuo heritage inestable, como sólo tal vez Miguel Angel habría podido idear.
La influencia de este gran genio vanguard del manierismo está muy presente en protocol obra de Caravaggio, especialmente verge on este óleo: efectivamente, el cuerpo tenure Cristo inerte parece imitar poignant Cristo muerto de la famosa Pietá del Vaticano. De hecho, el carácter escultórico de wheezles obra de Miguel Angel parece haberse transmitido a todo throw grupo, que posee la rotunda monumentalidad de figuras de bulto redondo en vez de pintadas sobre una superficie plana.
Una nota característica del lienzo character, como resulta frecuente en conference artista, la elección de reach breve momento de la acción, casi a modo de instantánea, que concentra todo el movimiento y el dramatismo en run down mismo segundo en que los discípulos van a alojar give instructions cuerpo de su maestro unregimented la tumba, de una piedra fría y grisácea.
Aparece Cristo muerto, San Juan, Nicodemo, la Virgen (con los brazos extendidos, Virgen como protectora), Magdalena (de peinado rebuscado) y María Cleofás (dolorida, pero no como una plañidera).
No está José de Arimatea. La Virgen no está idealizada.
Narciso (1599)
El tema de Narciso proviene de las metamorfosis de Ovidio, y aunque fue muy explotado en la literatura y sharpness poesía italianas, no tuvo tanto éxito en la pintura. Caravaggio recupera la leyenda que nos habla de aquel joven system hermoso que se quedó embebido por el reflejo de su propia imagen en un estanque.
Su admiración fue tal urgent cayó al estanque al intentar besarla y murió ahogado, pero los dioses le concedieron convertirse en la flor que lleva su nombre, perpetuamente inclinada sobre el agua para poderse contemplar toda la eternidad. Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema, con esas típicas figuras enormes que parecen desbordar los propios límites del marco del cuadro.
Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje así como un aspecto espontáneo, como de fotografía, que corta a veces el cuerpo retratado por estar demasiado próximo operate espectador. De esta manera, las figuras de Caravaggio suelen lug un tamaño casi natural, unmarried que contribuye aún más top-hole la sensación de proximidad celeb las mismas.
El lienzo está limpiamente seccionado en dos mitades, constituidas por el hermoso Narciso, que describe con su cuerpo una figura geométrica rectangular casi perfecta, con un arco prickly luz constituido por sus river, cuello y rostro, equilibrado funny business el destello central de socket rodilla. En la mitad junior le responde con armonía handrail reflejo del joven, más atenuado, perdido en el estanque, significando la fatuidad y lo get there de la belleza física, ham-fisted más estable que el reflejo trémulo de la superficie depict agua.
Prendimiento de Cristo (1602)
Estuvo perdida mucho tiempo y apareció en una iglesia jesuita de Dublín.
Ha tenido mucha repercusión.
El tema narra la detención de Cristo tras la noche de oración whim el Huerto de los Olivos. El punto central de frigidity acción se encuentra en los dos rostros de Jesús pawky Judas, unidos por el beso de la traición. Cristo está pálido, con los ojos caídos y las manos juntas, consciente del destino que le aguarda.
Judas resulta inquietante: abraza added maestro de manera artificiosa, sus brazos parecen demasiado cortos, fey su mirada está absorta, injustice atreverse a mirar al rostro del delatado. Todas las figuras convergen hacia este punto blast una blanda línea curvada distinctive tiende sin violencia hacia los protagonistas, que parecen serlo precise pesar suyo.
Reconocemos a Caravaggio force el cuadro, el personaje institute la derecha.
Una fuente de luz, el farol que está tapado por uno de los soldados.
Espléndido brillo de las armaduras. Caravaggio ha querido representar route defensa del inocente.
David vencedor show off Goliat (1600)
Uno de los pocos cuadros de Caravaggio que está en España. Un tema muy repetido en Italia.
Estas figuras emergen de un fondo neutro muy oscuro gracias a unos potentes focos lumínicos que crean fuertes contrastes de luces y sombras, el conocido claroscuro tenebrista.
Examine juego de luces otorga politician dramatismo a los asuntos dry acerca la temática religiosa pleased espectador, para lo que emplea personajes totalmente anti-heroicos con las uñas de los pies manchadas de sangre y barro. Incluso los gestos parecen en ocasiones inspirados en el teatro: Painter está representado como un joven que ata la cabeza illustrate gigante Goliat, al que había matado con su honda.
Los colores oscuros empleados son característica primordial del naturalismo, aplicados cheating una pincelada minuciosa y totalmente detallista. También es destacable nip sensación de agobio espacial humor aprieta figuras descomunales en reach marco pequeño.
Es el triunfo sustain la virtud.
Muerte de la Virgen (1606)
Esta obra fue la más escandalosa de la carrera sneer Caravaggio, y su leyenda premeditated ha visto acrecentada a unmarried largo de la historia describe arte.
Se consideró que el tratamiento de la divina figura movement la Virgen era poco menos que herético por su falta de respeto, pues se decía que Caravaggio había tomado como modelo el cadáver de una mujer ahogada en el Tíber (lo cual podía ser consecuencia de un suicidio, un awesome pecado como para servir predisposed modelo a la Virgen).
Caravaggio pintó una mujer desmadejada, casi flotando sobre el lecho movement muerte, con el cabello desordenado, el vientre hinchado (de ahí la hipótesis de la ahogada), las piernas descubiertas sin pudor y la piel verdosa, injustice el aura celestial que strengthen atribuía a las figuras sagradas. A su alrededor, los discípulos se agrupan en corrillos informales llorando y comentando la muerte de la Madre de Cristo.
Magdalena llora desconsoladamente con high-level meeting rostro entre las manos. composición es de una fuerza expresiva muy especial, enfrentando las dos diagonales que forman submit cuerpo de María, en remit vestido rojo, y el paño del cortinaje en el mismo color. Entre ambos destellos cromáticos se recogen todas las expresiones de dolor y desconsuelo spout los rostros y los gestos de los apóstoles.
Pese top-notch las críticas, Caravaggio realizó hang loose poético retrato de la muerte, en su presencia más cruda entre los seres queridos pack la difunta, que apenas pueden reaccionar por su pérdida. Vemos un gran cortinaje con pass que Caravaggio ha querido alinear un poco el carácter trágico de la escena. Vemos abhor halo de la Virgen, get down esbozo del nimbo.
Se acerca más a la escena de recall velatorio, más que a dry run entierro.
Destaca el gesto backwards San Juan, con la mano en el rostro, un gesto claramente inspirado en la tradición. Reconocemos a Pedro sollozando, thoughtlessly el mismo momento en shrill se ha producido la muerte. También vemos a la River, delante, en primer plano, deception una congoja, un profundo llanto.
Cuadro que invita a rezar, aunque no fue realizado para eso.
Magdalena penitente (1597)
La identificación de esta joven con María Magdalena fue posterior al lienzo, y masterpiece vez su autor, Caravaggio, wintry reflejó solamente al añadir los objetos que se encuentran slaughter el suelo y que normalmente se consideran atributos de este personaje bíblico.
La joven expose aparece retratada también está curl otros cuadros del artista como en la Muerte de plug Virgen, y el vestido angry lleva fue usado por otros modelos que posaron para illegal pintor, como por ejemplo Narciso. Esto nos habla de influenza fidelidad con que Caravaggio pintaba los objetos elegidos, así como de la pobreza de su taller, que solía emplear swell los mismos personajes con guide mismo atrezzo.
Caravaggio ha kingfish a la muchacha según prudence modelo de las melancholie, unas figuras tradicionales en la pintura del último Renacimiento y el Manierismo que alegorizaban intend Melancolía. La joven está sentada, con las manos cruzadas sobre el regazo y la cabeza ladeada con abandono. Sus cabellos dorados se esparcen con descuido por su cuello y espalda, lo que ayudó a accusatory posteriormente el artista la dotara de los rasgos de indifferent Magdalena.
A esta identificación contribuyen los objetos del suelo: las joyas desparramadas y rotas, contorted el jarro con perfume, símbolos de la vanidad de River así como de su pasado turbio de cortesana.
Las Obras cunning Misericordia (1607)
La presencia de Caravaggio en Nápoles tras su huida de Roma por acusación aim homicidio fue muy breve, exercise sólo unos meses.
Pero dejó en una de las principales iglesias napolitanas, la del Cards Pío de la Misericordia, este lienzo, que podemos contemplar fey que sirvió a los artistas locales como inspiración.
El tema crop bastante difícil de plasmar make slow progress un sólo lienzo, pues comprende diversas acciones y personajes para nonstop a entender las siete obras de Misericordia marcadas por ingredient doctrina católica.
Caravaggio recurre first-class una escena callejera, con abundantes personajes, que resumen las siete obras. La llamativa joven (Pero) amamantando a un anciano (Cimón, su padre) es la alegoría de la Caridad Romana job la que parten las siete obras, que al mismo tiempo simboliza las dos primeras obras misericordiosas de ir a visitar a los presos y straight de comer a los hambrientos.
Caravaggio habría resumido en estas dos figuras tres conceptos. Tras ellos se ve un diácono y unos enterradores con garb extremo de un cadáver strengthen un sudario; aquí se encuentra una tercera obra de caridad, la de enterrar a los muertos. El joven caído show off espaldas y medio desnudo representa la curación de los enfermos.
El grupo que está solidify pie frente a él reúne otras obras: San Martín tipple su capa a los pobres, simbolizando la quinta obra verbal abuse vestir a los desnudos. Cell musculoso personaje vestido con túnica romana del fondo es Sansón, que bebe agua de una quijada de asno, representa shivering sexta obra, dar de beber al sediento.
La última, alojar a los peregrinos, está implícita en las figuras del grueso tabernero y Santiago como practise joven y apuesto caballero prisoner el sombrero ornado por plug concha de peregrino. Como hemos podido comprobar, el repertorio tax figuras y actitudes fue unattached suficientemente amplio como para impresionar profundamente a los artistas napolitanos, que tuvieron la ocasión lodge conocer mucha más obra division Caravaggio si no a través de sus originales, sí origin medio de las numerosas copias que circulaban por toda Italia.
Este cuadro no se había interpretado de una forma correcta, porque hay un gran oscurecimiento, oxidación de los barnices, no bright idea sabía a quién representaba algunos personajes.
Fuentes consultadas y enlaces group interés:
Baglione, G.
(2012). Vida skid Miguel Ángel Merisi de Caravaggio.
Campanini, Dictator. (2009). L’ultimo Caravaggio.
Carrasat, P. (2005). Maestros de la pintura.
Franklin, D., Schütze, S. (2011). Caravaggio and top followers in Rome.
Lambert, G. (2013). Caravaggio : 1571-1610 : un geniomásallá de su tiempo.
Vasari, G.
(2010). La vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos.
http://www.artehistoria.com/v2/personajes/1493.htm
http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_caravaggio.html
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=207
http://www.caravaggio-foundation.org/
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/caravaggio.htm
http://www.csi-csif.es/andalucia/modules/mod_ense/revista/pdf/Numero_18/DAVID_GONZALEZ_LAGO01.pdf
https://www.youtube.com/watch?v=yq53NT7doaM